Nel mondo di Essemre: Recensioni Film

Il tè di Ania

Tue, 21 Aug 2007 14:51:09 GMT

Il tè di Ania

“Tutti mancano quando non hai più nessuno”

Un forte vento di maestrale non ha scoraggiato un pubblico di irriducibili che ha assistito alla proiezione del film “Il tè di Ania” del regista algerino Saiid Ould-Khelifa.
La pellicola, inserita nella sezione un “Mare di cinema arabo” curata dal giornalista irakeno Erfan Rachid, narra la storia di Medhi, uno scrittore algerino di mezz’età, che vive una squallida esistenza, recluso tra ufficio ed abitazione, atterrito dalla situazione di precarietà del “decennio di sangue”.
Le albe e i tramonti su Algeri passano anonimi, il tempo scorre lento e monotono all’interno del bunker fisico e mentale che l’uomo ha posto tra se e il mondo. Solo i ricordi e le memorie colorano il grigio di un esistenza segnata dal terrore per la morte. E mentre le giornate assolate, e le passeggiate spensierate rimangono impresse, solamente, sotto forma di riflessi smarriti del passato, le vite di una popolazione atterrita si trascinano.
Le notizie di morte si susseguono giorno dopo giorno, alcuni fuggono in Francia, altri continuano un’esistenza semi-normale, altri muoiono dentro. Medhi ha deciso di rimanere nella sua città, tuttavia la sua fuga è ancora più forte di quella fisica. Ogni persona diventa un possibile pericolo per l’incolumità , ogni situazione apparentemente normale, un rischio che lo scrittore non sembra pronto a correre.
Così si ergono muri, deboli e fittizi. Protezioni di carta fracida che possano riparare, come la pianta posta come scudo in ufficio tra la scrivania dello scrittore e quella della segretaria, “colpevole” di dare notizie di un mondo che Medhi rifiuta.
Nonostante tutto appaia vuoto, nella solitudine devastante, l’amore per una sorridente signora che porta il tè ridarà allo scrittore l’opportunità di riconciliarsi con la vita.
Dopo “Le ombre bianche” che analizzava il periodo precedente il “decennio di sangue” Saiid Ould-Khelifa continua il percorso di analisi psicologica della situazione algerina.
Il film, anche se soffre per uno script non del tutto riuscito, che a tratti rischia di trascinare le sequenze, risulta ben fatto. Degne di nota le musiche evocative di Marc Perrone.
Già premiata a Bruxelles(con il Prix Spècial du Jury), la pellicola ha il merito di soffermarsi su un aspetto poco trattato, l’effetto che il terrore può avere sull’esistenza, e di farlo con estrema raffinatezza.

La voltapagine

Sun, 19 Aug 2007 13:59:16 GMT

La Voltapagine-Horcynus festival 2007

E’ stato presentato ieri, durante la seconda serata del Horcynus festival, il contradditorio film di Denis Dercourt “La Tourneuse de Pages”( “La voltapagine” in Italiano).

Figlia di una coppia di macellai che abitano in una piccola cittadina di provincia, Mélanie (Deborah François) mostra, sin da piccola, un grande talento nel suonare il pianoforte. Partecipa così ad un concorso per entrare in un importante conservatorio, ma fallisce, turbata dall’atteggiamento disinvolto della presidentessa di giuria, una celebre pianista(Catherine Frot), interessata più a firmare autografi che ad ascoltare l’esibizione della giovane. Profondamente delusa, la piccola abbandona lo studio del pianoforte. Dieci anni più tardi, in occasione di uno stage, Mélanie incontra il signor Fouchécourt, il marito della donna che ha, senza ombra di dubbio, cambiato la sua vita. Rapidamente notata per la sua precisione e la sua abnegazione al lavoro, viene assunta in casa del signor Fouchécourt per prendersi cura del figlio.

La ragazza riuscita ad introdursi nella vita della pianista, ne conquista la fiducia mentre progetta freddamente la sua vendetta.

“La voltapagine” è un buon thriller d’atmosfera che richiama alla mente certi lavori di Chabrol, non solo per l’ambientazione borghese ma anche per certi dialoghi e per certe situazioni, anche se, contrariamente al maestro, Dercourt, non lascia molto spazio alla scrittura, e risolve il tutto attraverso una tensione che segue l’impianto sonoro attraverso l’alternanza tra accelerazioni e rallentamenti. La pellicola risulta sottile ed intrigante; attraverso un’economia di mezzi che ha del sorprendente il film riesce ad instaurare e a mantenere, per tutta la sua durata, un clima di tensione e inquietudine.

Giocato su sguardi, silenzi e primi piani, il film è condotto con rigore magistrale illuminato dalla patinata fotografia di Jérôme Peyrebrune. Da sottolineare è l’uso esperto della musica, da parte di un regista che è anche violoncellista. Le melodie di Jérôme Lemonnier si accordano con le azioni e il ritmo del montaggio, in un gioco sapiente di tensioni e distensioni, sbalzi in avanti ed improvvisi rilassamenti, per poi ritornare in un apparente calma piatta.

Le due protagoniste lavorano di fino dando vita a due interpretazioni straordinarie: la veterana Catherine Frot comunica con rara efficacia la fragilità della sua pianista, la giovane Déborah François, al suo secondo film dopo “L’Enfant” dei fratelli Dardenne, è enigmatica e magnetica in un ruolo affidato principalmente ad occhiate e sfumature.

Horcynus festival 07-prima serata

Sun, 19 Aug 2007 13:52:05 GMT

PRIMA SERATA IMBARAZZANTE- Horcynus Festival 07

È successo di tutto nella prima serata de “Horcynus festival 2007”.

Non mi era mai capitato di assistere, nella discreta esperienza di fruitore di festival di cinema, a tanta incompetenza organizzativa.

Un vastissimo pubblico aveva accolto con immenso entusiasmo, fino a far esaurire posti e biglietti, il programma della prima serata, attratto dalla promessa del concerto di Roy Paci.

Tuttavia nonostante i comunicati stampa del comune promettessero una performance dell’artista e i manifesti fossero a dir poco fuorvianti , tra la disapprovazione della gente si è assistito ad uno spettacolo raccapricciante (vedere un cantante-musicista come Roy Paci passare dei dischi come un comunissimo Dj) che poco ha a che vedere con il cinema e con il mare.

A caratterizzare l’apertura del festival era stato da subito il pessimo “il treno del ferro” un reportage, così almeno si legge dai comunicati stampa, di Enrico Di Giacomo, giovane giornalista e fotoreporter freelance di Messina.

In realtà il corto che vorrebbe raccontare la storia del treno merci che da Nouadhibou scorre lento su un binario unico fino alle miniere di Zouerate, è sterile e irritante, si perde in immagini senza emozioni e in un montaggio con parole a scorrimento al limite dell’imbarazzante.

Niente trapela attraverso le immagini , non i sacrifici , né le difficoltà di un viaggio lungo ed estenuante in cui centinaia di uomini si imbattono quotidianamente.

Dopo il corto di Di Giacomo si è tentato con esiti disastrosi un viaggio in diretta audio/video dai fondali dello Stretto.

Ben vengano le sperimentazioni, ma almeno bisognerebbe testarne la riuscita per non incappare in fallimenti.

Annunciare le riprese subacquee come un evento speciale e mostrare, alla fine, solo qualche fermo immagine, è una cosa sostanzialmente diversa.

Per la sezione “Mare di Cinema arabo” è stato proiettato “Madad” un corto che analizza l’interessante aspetto della musica come veicolo di trance nel mondo arabo durante una festa nella città del Cairo.

A seguire, la visione del film “Inland Empire”, opera del regista statunitense David Lynch. La pellicola sovrappone arte e vita (attenzione), verità e finzione, realtà e rappresentazione, veglia e sogno (compreso quello hollywoodiano). Diversi sono i livelli che il film esplora e ancora una volta questi si accoppiano con voluttà partorendo mostri. Piani temporali (Se oggi fosse domani ) e narrativi (il film di partenza e il suo remake, quello che la protagonista interpreterà e nel cui ruolo verrà imprigionata) che si incrociano, identità caleidoscopiche che si frantumano e si ricompongono in diverse forme.

Anticipata rispetto al programma, la proiezione della pellicola ha subito due stop forzati per problemi tecnici al quanto strani.

Le pause di una decina di minuti l’una hanno dato vita a degli intermezzi vergognosi da parte delle presentatrici arrivate a dire: “Chi sta seguendo seriamente il film”, “C’è qualcuno in sala a cui sta piacendo” ed ancora “C’è qualcuno disposto a raccontare una barzelletta” e “Che possiamo fare nell‘ attesa, volete che ci spogliamo”.

Proprio quando sembra che nient’altro possa succedere, quando sembra che si sia toccato il fondo e si possa solo risalire ecco arrivare il colpo di genio , l’assurdo,l’imponderabile, quello che nessuno si può aspettare: alla terza interruzione per problemi tecnici si annuncia che il film è finito.

Fra lo stupore di una parte di pubblico , la liberazione per un'altra accorsa solo per un concerto che non ci sarà,e forzosamente posta di fronte alla visione di un film difficile e particolare, si assiste al colmo dei colmi: un festival di cinema, o presunto tale, che non termina la proiezione, che mutila un capolavoro lasciando credere che sia finito.

Giuseppe Santagata

Taormina corti siciliani

Sun, 19 Aug 2007 13:46:17 GMT

Taormina Corti siciliani-Vince Red Line

Giunge alla conclusione il concorso riservato agli autori di cortometraggi siciliani.La scelta di 8 corti su circa 40 opere inviate del comitato selezionatore composto da Viviana Del Bianco, direttore artistico del N.IC.E,da Grazia Santini, direttore esecutivo N.I.C.E e da Carolina Mancini,critico cinematografico di Cinema&Video International, ha riservato parecchi dubbi di qualità e correttezza nell’attuazione del regolamento.
Infatti , nonostante fossero richieste da regolamento opere non anteriori al Giugno 2006, molte tra le opere finaliste risultano più vecchie.
Un discorso a parte merita la poca qualità generale della selezione. La stessa giuria chiamata alla scelta del vincitore ha evidenziato, oltre a comprensibili carenze dal punto di vista tecnico, una generale mancanza di originalità delle storie oggetto di narrazione e degli schemi drammaturgici utilizzati, evidente, soprattutto, in quelle opere che hanno voluto interpretare sentimenti umori e passioni della realtà siciliana. La maggioranza delle opere,infatti, risulta caratterizzata da una visione arcaica e non più realistica della Sicilia che tanto piace evidentemente al di fuori della nostra isola.
Così trai corti “Red Line” di Francesco Cannavà ,“Il vecchio e la fontana” di Tony Palazzo, “Caro Figlio” di Antonio Gianmanco, “Il prestigiatore” di Mario Casentino, “Be-hind me” di Marta Tagliavia, “La coperta” di Sergio Evola e Fabio Agatino,“Pisci di Broru” di Paolo Santangelo, “Giuramento di Marinaio” di Mauro Graiani e Francesco Bellomo,nonostante una difficile votazione, condizionata soprattutto dall’impossibilità di concedere ex-equo, la giuria ha assegnato l’Intel Centrino Duo Award al corto Red Line del regista messinese Francesco Cannavà.
All’interno di un vagone di un treno metropolitano, gli occhi di un giovane passeggero colgono la presenza di una bellezza femminile. Nasce un gioco di sguardi romantico e delicato, un inseguimento ed un insolito incontro. La motivazione segnala il coraggio dimostrato nell’aver messo in scena luoghi reali e mentali di distratta contemporaneità, attraverso una storia universale che nel suo fluire mai si concede alla facile ricerca di consenso.
Francesco Cannavà avrà modo di partecipare e di essere inserito nel novero dei 7 cortometraggi presentati, di volta in volta, a spese di Taormina Arte, in un tour promozionale nei festival di New York, San Francisco, Mosca, San Pietroburgo, Amsterdam e L’Aia.

Maldeamores

Sun, 19 Aug 2007 13:44:48 GMT

Maldeamores- Taormina film fest

Tre storie si intrecciano: il primo bacio di un ragazzo, un uomo che non riesce ad accettare un rifiuto e una storia d’amore tra anziani.
Lovesickness, esordio alla regia di Carlos Ruiz Ruiz, che ha come produttore esecutivo Benicio del Toro, è un viaggio attraverso gli aspetti più disincantati dell’amore.
Per mezzo di un uso sapiente della commedia mischiata al tragico, il film rappresenta uno scorcio di situazioni e sentimenti che potrebbero sembrare assurde, ma che in un qualche modo ci coinvolgono sembrando straordinariamente vicine.
I personaggi lottano con i loro sentimenti alle prese con varie forme dell’intenso e imperfetto sentimento dell’amore.
L’umorismo nero e cinico segna i vari stadi del corso della storia. Si passa, così, dalla scoperta e dal senso di disillusione della gioventù, alla ricerca di trasgressione nel tradimento adulto, alla sofferenza per un amore impossibile e non corrisposto, affrontando anche la paura della solitudine nella vecchiaia. Il film che ha già riscosso molti consensi negli Stati Uniti, è stato molto apprezzato dal pubblico del teatro antico.
Il giovane regista portoricano, già autore del sorprendente corto “Pelota de Papel”, gestisce da veterano il tutto. Inquadrature con camera a mano si alternano a fisse, movimenti vistosi di macchina a sequenze piatte, mantenendo, tuttavia, un perfetto equilibrio tra le situazioni narrate.
La scrittura del film appare riuscita, le storie si muovono e si uniscono pur restando totalmente differenti. Il tema musicale di Omar Silva Melendez è un piccolo gioiello, ottima, anche, la prova di un cast formato tra gli altri da Luis Guzman, Teresa Hernandez e Luis Gonzaga.

Festival Taormina XXY

Sun, 19 Aug 2007 13:42:33 GMT

Festival Taormina XXY

Dopo avere attratto l’interesse della critica grazie ad uno stile unico e disinvolto, l’attenzione per la cinematografia argentina è andata con gli anni calando gradualmente per via di storie e personaggi poco coinvolgenti. In XXY, tuttavia, la giovane regista Lucia Puenzo dimostra di avere appreso le lezioni stilistiche senza disdegnare l’interesse per contenuti di un certo rilievo.
Nella vita della 15enne Alex si nasconde un grosso segreto. Appena nata, la sua famiglia ha lasciato Buenos Aires per andare a vivere nelle isolate terre della costa uruguayana.
Un giorno, una coppia di amici di Buenos Aires, con il loro figlio maggiore, Alvaro di 16 anni, decide di andare a trovare la famiglia di Alex. Il padre di Alvaro è un chirurgo plastico; ha accettato di buon grado la visita soprattutto per l’interesse che nutre come medico nei confronti della giovane.
La forte attrazione che i due adolescenti iniziano a provare l’uno per l’altra li porta a confrontarsi con paure e segreti nascosti. La scoperta del proprio corpo per Alex si mescola a quella dell’omosessualità del giovane Alvaro.
Le tre lettere del titolo rappresentano l’anomalia cromosomica di quelle persone che hanno all’interno del loro patrimonio genetico sia dei gameti maschili che femminili. Se l’essere ermafrodita, inizialmente, è più un problema sociale che personale, con il proseguire della storia diventa una forte componente di un conflitto sempre più intimo del personaggio.
Puenzo attraverso una delicata analisi sulle difficoltà di Alex nella scelta tra le sue due identità sessuali, analizza il rapporto ambiguo della normalità sessuale, mantenendo una neutralità di visione per quasi tutta la durata del film. Il film non alzando mai toni, segue il lento modificarsi del rapporto tra le due famiglie. Se sul piano sociale le posizioni iniziali sembrano ben delineate, con il passare degli eventi si perde la nettezza dei tratti caratterizzanti e le cose appaiono mischiarsi. Ciò che sembrava normale, nasconde al suo interno l’anormalità, ciò che sembra mostruoso, mantiene una forte dignità.
La pellicola, presentata già a Cannes, è asciutta e formalmente ineccepibile. La camera a mano e una colonna sonora molto discreta, fanno sì che non si perda mai di vista il punto centrale della narrazione. I lunghi silenzi e il ritmo lento, tuttavia, rendono il film non accessibile a tutti.
La confusione dei protagonisti, nella loro ricerca di scoperta, si riflette in vari riferimenti sull’ambiguità, dalla scena iniziale che vede un parallelismo tra Alex e il Polpo, alla scena con l’iguana simbolo del trasformismo.
L’infelicità dei volti, costretti a combattere per conformarsi in un modello sessuale e i paesaggi evanescenti (sottolineati dalla bella fotografia di Natasha Braier) fanno da contorno ad un’evoluzione psicologica che non porta ad un giudizio finale, ma che è capace di mostrare sotto una luce diversa il tema della diversità sessuale.

Taorminafilmfest- lezioni con Matt Dillon

Sun, 19 Aug 2007 13:40:22 GMT

Lezione di cinema con Matt Dillon

Taormina - Un numeroso pubblico ha assistito alla lezione di cinema di Matt Dillon nell’ambito dei consueti approfondimenti organizzati dal Taorminafilmfest dopo la proiezione del film City of ghosts di cui firma anche la regia.

La pellicola narra la storia di Jimmy, giovane truffatore americano, scappato in Cambogia per sfuggire alle indagini che lo riguardano, e per ritrovare il suo complice e maestro, Marvin, che lo ha lasciato in America portandosi via il bottino.

Come è cominciata la storia di City of Ghosts?
Ho iniziato a pensare a questa storia, quando sono andato per la prima volta in Cambogia. Sono andato in quei luoghi nel 1993 e ho viaggiato a lungo, la ho incontrato, in particolare a Phnom Penh, questi espatriati che non potevano tornare a casa, in Europa o negli Stati Uniti e dovevano restare in queste città . E questo era il clima che volevo trasmettere. Quindi ho mantenuto questa base di realtà , su fatti reali tipici della Cambogia come ad esempio il rapimento, che c’è anche nel film
E’ una cosa che in quegli anni succedeva realmente perchè non esiste un trattato di estradizione. Tra l’altro due anni dopo essere stato in Cambogia ho letto in un articolo del Herald Tribune in cui si suppone che i criminali più ricercati del mondo siano nascosti in Cambogia. Per questo la vivono questi “personaggi particolari”.

Che differenza a provato nel vivere questo ambizioso progetto non solo come attore ma anche come regista?
Fino ad allora ero abituato a pensare solo come attore. La cosa che mi preoccupava di più era l’esperienza che avevo nella regia, non mi faceva sentire sicuro .
La fase di preparazione è stata molto lunga e meticolosa . Ma non solo razionale, bisogna a volte fondarsi sui propri istinti. Le decisioni da affrontare durante una giornata di lavoro sono molteplici.

E’ un bel cast quello del tuo film, hai pensato a loro fin dall’inizio?
Credo che ognuno abbia l’ambizione di fare qualcosa di diverso e di unico.
Sicuramente io volevo fare una storia alla vecchia maniera, avventurosa. Ho deciso di ambientare la storia in questo contesto che ha una forte tensione drammatica . Mi sono basato esclusivamente su quello che ho visto viaggiando. Non ho fatto altro che riflettere come in uno specchio quello che vedevo.
Ho scelto per questo un miscuglio di attori: James Caan, americano, Depardieu francese, Natasha, inglese e Stellan svedese.
Ma la cosa che mi ha gratificato di più è che la maggior parte del cast è costituita da attori non professionisti, perchè sono pochissimi i professionisti sopravvissuti alle stragi dei Khmer Rossi. Quindi ho dovuto trovare molti attori per strada, anche perchè chi si presentava ai provini aveva una impostazione molto teatrale e non andava bene per il taglio realistico che volevo dare al film.

Quali sono state delle difficoltà nel portare a termine il film?
La cosa per me più difficile è aspettare, avere pazienza in questo sforzo di trovare i finanziamenti per poter realizzare il film.
Sicuramente questa è una sfida difficile per tutti gli artisti che hanno una passione e quindi la voglia di realizzare qualcosa e dover aspettare qualcuno che ti firmi un assegno e che può farlo in pochi minuti.
L’altra sfida è stata la difficoltà proprio logistica nell’effettuare le riprese, anche se devo dire che in confronto alla difficoltà produttiva e finanziaria in realtà è stato facile. Innanzitutto perchè ci siamo posti una serie di obiettivi e poi perchè l’abbiamo fatto con passione.
La produzione di questo film è indipendente.

Warden of the dead

Sun, 19 Aug 2007 13:37:37 GMT

Warden of the dead

“Quando osservi la morte per così tanto tempo cominci a capire molte cose sulla vita”

È rimasto piacevolmente sorpreso lo sparuto pubblico che ha assistito alle 18, nella Sala A del Palazzo dei Congressi, alla proiezione del film “Pazachyt na myrtvite/Warden of the dead” del giovane regista bulgaro Llian Simeonov.
Foto di volti inanimi si fondono con le immagini di un treno che passa verso un destino che ci appare oscuro.
Un funerale sotto lo scroscio di una pioggia incessante in un grande cimitero alla periferia di Sofia. Un ragazzo orfano di tredici anni(Il guardiano della morte) vive lavorando come organizzatore di servizi funebri, dirigendo, all’occorrenza becchini e fioraie.
Il cimitero è il suo mondo, un microcosmo specchio della vita.
Ad assisterlo due personaggi ambigui. Un ex prigioniero politico(Angel) che per 30 anni ha aspettato la morte del suo nemico, e un pittore(Rubens) che si guadagna da vivere truccando i morti.
La vicenda scatenante prende le mosse dalla morte del nemico di Adam.
Il vecchio avendo perso ciò che lo lega alla vita tenterà invano di uccidersi, fino a quando il ragazzo, che con gli anni ha sviluppato una familiarità inconsueta del trapasso, ha una premonizione riguardo ad una morte che sarebbe avvenuta tra dieci giorni. Tutti credono riguardi Angel e lui si prepara serenamente alla sua fine. Intanto, Maria, la figlia del nemico di Angel, scopre che lui è il suo padre naturale e prova una certa attrazione per Rubens…. I tre strani personaggi appaiono incastrati in un limbo. Quasi fossero dentro un mondo nel mondo, si muovono alla ricerca di un senso dell’esistenza. Chi lo perde si ferma. Il giovane ragazzo raccoglie le foto dei morti, e vive in un confine ambiguo tra vita e morte, confondendo e mischiando a tratti l’una con l’altra. Chiuso in un mondo di scomparsi, ha imparato la vita e le leggi che la dominano. Il pittore Rubens è alla ricerca della sua opera perfetta, ossessionato da una bellezza da cogliere anche nella catastrofe. Il vecchio Angel crede di avere esaurito la sua funzione, non sapendo di essere padre. Il cerchio tra morte, vita ed eros attraversa con simbolismi più o meno espliciti la splendida opera di Simeonov, non cadendo mai in semplificazioni accomodanti e riuscendo a trasmettere per tutto il prosieguo della pellicola emozioni. I tre elementi cadenzano la vita dei personaggi, seguendoli con intervallate vicende nello sviluppo della trama.
Il film nonostante alterni momenti di comicità, a metafore e momenti tragici, sembra non perdere mai il ritmo. Le musiche di Teodosi Spasov accompagnano per mano lo spettatore, guidandolo sulle immagini curate dalla fotografia di Dimiter Gothcev. Non saremo, pertanto, sorpresi se fosse proprio questa pellicola ad aggiudicarsi il concorso nella sezione “Oltre il Mediterraneo”. Il cimitero diventa metafora non solo della vita ma anche della situazione, politico-militare, Balcanica.
Nell’oscurità della notte l’esercito porta i mucchi dei corpi per la sepoltura, vittime senza volto di una guerra che arriva solamente attraverso le notizie dal televisore. E mentre Angel aspetta la morte nella sua tomba con un lumicino, i corpi martoriati dalla guerra vengono nascosti nella terra. I morti veri, quelli che vogliono morire, i vivi che non vivono, e quelli che cercano la vita scorrono nello stesso treno.
Nel buio dell’oscurità, tuttavia, una luce si fa sempre largo.
La premonizione si rivelerà diversa dal comune credere, e tutto alla fine sarà svelato, i corpi delle vittime riportati alla luce, i desideri realizzati, il mondo altre il cimitero scoperto.

Memorie di una Geisha

Sat, 02 Jun 2007 11:59:56 GMT

Memorie di una geisha

Icona misteriosa e irraggiungibile, con il viso nascosto da una maschera di trucco come nel teatro Kabuki, e avvolta nei molti metri di seta ricamata che compongono il kimono. La geisha rappresenta un ruolo femminile che nel mondo occidentale non riusciamo a capire del tutto: distante e pudica (gli incontri sessuali non sono quasi mai contemplati nelle "prestazioni" dell'artista), addolcisce con la sua compagnia le cene e le cerimonie del tè, suonando, danzando e dispensando piccole perle di saggezza che devono servire a far sentire gli uomini al centro dell'attenzione. Si dice che per gli occidentali l'infanzia, pur giocosa, sia l'età della costrizione e delle regole e la maturità quella dell'autodeterminazione, mentre per i giapponesi sembra accadere il contrario: l'uomo adulto perde del tutto la dimensione ludica ma anche la libertà personale e si ritrova imprigionato in una rete di costrizioni e di rituali, che la geisha riesce in qualche modo a sciogliere con le sue seduzioni castissime: mostrando un polso mentre inclina la teiera, ridendo dietro il ventaglio, camminando con piccoli passi di bambina.
Da Puccini in poi, molti artisti hanno tentato di raccontare quel mondo inaccessibile: Rob Marshall, dopo il successo di Chicago (prodotto da Steven Spielberg), è l'ultimo in ordine di tempo a provare la tentazione di sollevare il sipario su questo piccolo universo, e lo fa adattando per il cinema "Memorie di una geisha", il best seller d’Arthur Golden. La storia è quella di Chiyo( la bellissima Zhang Zihy), venduta dalla famiglia ad appena nove anni, assieme alla sorella, ad un’okiya, una scuola per geishe. Separata dalla sorella, Chiyo attira le invidie di Hatsumomo (Gong Li), geisha affermata ma infelice, che già vede nella bambina una futura rivale. È proprio l'odio di Hatsumomo a far subire alla piccola i maltrattamenti della tenutaria della casa e ad impedirle di seguire l'apprendistato per divenire maiko e poi geisha. Nel periodo in cui è costretta a fare la serva, Chiyo incontra l'uomo che diverrà l'unico amore della sua vita (Ken Watanabe) e, mentre la voce metallica di una radio c’informa degli avvenimenti che si succedono negli anni, la bambina sboccia in una splendida donna che la famosa geisha Mamhea (Michelle Yeoh) prende sotto la sua protezione addestrandola al ruolo di maiko per contrastare l'influenza di Hatsumomo nei salotti di Kyoto.

Curato e delicato nelle forme, in grado di creare un'atmosfera magica grazie alla fotografia di Dion Beebe, ai dolci paesaggi, all'uso delle luci e dei colori e alla musica orientale, talvolta leggera e avvolgente, talaltra impetuosa e destabilizzante, il film si snoda attraverso un’ambientazione quasi surreale che accompagna le vicende narrative e quelle interiori. Il dettaglio con cui sono descritti alcuni rituali, come quello del trucco, come la scelta del kimono sembrano aprire un piccolo varco, ma è solo un’illusione. La pellicola piano piano si spegne nei contenuti. La narrazione dei due temi fondamentali della sceneggiatura, l'arte e la tradizione delle geishe e il desiderio di vivere un amore impossibile della protagonista, risulta semplificata. Nell’esplorare con il suo occhio il mondo, la realtà e la cultura giapponesi, la visuale occidentale va perdendo il pathos, il rigore, la spiritualità e i simbolismi, non giungendo mai all’essenza dei personaggi, ma limitandosi a coreografare gli stati d'animo. La storia che Marshall ci propone si snoda in un arco temporale lunghissimo, senza che si riescano a cogliere appieno i mutamenti che avvengono nel mondo in quegli anni cruciali (tra il '30 e il dopoguerra); se all’inizio è giustificato dal fatto che nell'ovattata realtà dell'okiya tutto giunge come un’eco appena accennata, non si comprende l’approssimazione nella trattazione dell’arrivo della guerra con le sue implicazioni, del dopoguerra con la mutazione dei costumi e della contaminazione americana. La stessa superficialità accompagna la resa dei passi chiave che modellano la vita di Sayuri, a partire dalla sua rivalità e complicità con Hatsumoto e Mameha, due geishe che in modo opposto la aiuteranno a crescere e a raggiungere il proprio obiettivo, per finire con il sentimento, apparentemente impossibile, che la lega al suo amore infantile. Non mancano momenti d’arte come lo stilizzato viaggio iniziale della piccola Chiyo venduta dalla famiglia d'origine, o il fluire di un drappo rosso nell'acqua per evidenziare lo scorrere del tempo.

La lunghezza appare eccessiva e la scelta di tre attrici protagoniste Cinesi, Zhang Ziyi, Gong Li e Michelle Yeoh, seppur bravissime e bellissime, appare quantomeno discutibile.

Il montaggio di Pietro Scalia è come al solito impeccabile, degne di nota le scenografie di John Myhre, e la ricerca musicale di John Williams.

Mancano sicuramente le grandi emozioni, quel coinvolgimento emotivo che ci avrebbe permesso di giustificare anche la banalizzazione del soggetto in una delle tante storie d'amore impossibili e che avrebbe potuto rendere questa pellicola qualcosa di più che un affresco da ammirare in maniera distaccata.

G.S.

El crimen de Padre Amar

Sat, 02 Jun 2007 11:55:58 GMT

El Crimen de Padre Amar

Il celibato dei preti, le tentazioni della carne, i rapporti tra Chiesa e potere, il bigottismo di provincia. Adattata da un romanzo di fine Ottocento di uno dei massimi scrittori portoghesi, Eca De Quieroz, la storia del giovane Amaro, viene arricchita dallo sceneggiatore Vicente Lenero di retaggi mistici, in un Messico in cui religione fa rima con superstizione, dove sussiste un credo più mariano che cristiano e in cui i fondamenti del cattolicesimo si mischiano con i culti pagani della tradizione. L’ innocente prete interpretato da un ottimo Gael Garcia Bernal, (AMORES PERROS e Y TU MAMA TAMBIEN) ancora avvolto negli ideali, entra in contatto con un’altra dimensione e viene subito fagocitato da un sistema che lo spaventa, ma verso cui non riesce ad opporre resistenza. La graduale corruzione del suo spirito diventa simbolo allegorico di una calamità che si consuma quotidianamente, nel rapporto tra chi esercita l’autorità e chi ne subisce le conseguenze: il suo personale cammino di dissoluzione è vissuto parallelamente dal mondo che lo circonda e Padre Amaro diventa solo una possibilità fra tante degenerazioni, tra innumerevoli discese all'inferno. Ogni personaggio resta sigillato dentro la sua fisicità e nei suoi gesti, mentre il corpo narrativo incede innescando una dogmatica reazione a catena costruita su un ovvio processo di consequenzialità, che rischia di trasformarsi in aura vellutata di telenovela. Ma Carrera spinge, quando necessario, sull'effetto o sul simbolo, calcando sulla blasfemia in omaggio palese al maestro Bunuel (l'ostia data al gatto, il manto della Madonna che ricopre i corpi dei due amanti) e aiutato da una magistrale fotografia di Guilliermo Granillo e da un convincente montaggio(Oscar Figueroa), inchioda il pubblico, nonostante la frequente e a volte eccessiva lentezza delle scene. Ogni gesto perde il proprio carattere liturgico, smarrendosi in una logica dove la confessione e la comunione con il corpo di Cristo si svuotano dell’amore: le ostie consacrate così sono sottratte per “altri banchetti”, i confessionali ospitano le più luride trattative dell'anima, come lo scambio di denari, le autorità ecclesiastiche celebrano una ricca colazione al pari di una messa sontuosa. Padre Amaro sembra accecato da più demoni:la voluttà della carne, la carriera ecclesiastica, la protervia dei Poteri forti, l'oscuramento della verità (quando prepara una lettera di smentita per la prima pagina del giornale locale), che lo porteranno a misconoscere la vita stessa del proprio figlio.
La crudeltà spietata di questi esseri umani non è meno spietata rispetto a quella dei trafficanti di droga che uccidono i contadini per lo sfruttamento delle terre.
. Il peccato potrebbe essere la lussuria che lega Amaro ad Amelia, ma l'ipocrisia filtra dalle grate dei confessionali, la menzogna sistema ogni cosa, la politica è bieco opportunismo. Sullo sfondo la guerriglia, l'ideale puro, il rifiuto delle doppiezze: ma è un piccolo sfondo, che lascia il primo piano incontrastato alla finzione, la falsità, il soldo in bustarella, la commozione per le disgrazie e il solito capro espiatorio da sacrificare sull'altare della pubblica rispettabilità.

G.S.

Alexander

Sat, 02 Jun 2007 11:53:00 GMT

Alexander

Tiranno o visionario illuminato?Conquistatore sanguinario o unificatore?

Non è facile raccontare la vita di una persona. Ancor più difficile calarsi in un'altra dimensione e cogliere da frammenti storici una personalità affascinante e controversa calata in un tempo dove i precetti cristiani e la moralizzazione dei costumi sessuali erano ancora sconosciuti.

Nonostante abbia il merito di lasciare il mistero di un personaggio polidimensionale, e sebbene cerchi con vena filo-documentaristica di rivelarci non solo l’eroe ma anche e soprattutto l’uomo, negli scontri più intimi che lo perseguitano, l’ambizioso progetto filmico, con la sua portata totalizzante, finisce, tuttavia, per perdersi nei riduttivismi psicologici.

Le gesta d’Alessandro vengono narrate da Tolomeo( Anthony Hopkins), ex suo generale fedele, che detta ad uno scriba le imprese del re, morto 15 anni prima. La storia procede per flashback: la giovinezza trascorsa nella reggia di Pella, gli studi con Aristotele(Cristopher Plummer), l’addestramento militare, il sogno di emulare e superare gli eroi greci, il rapporto di freudiana complessità con i genitori, Filippo Il Macedone (Val Kilmer) e Olimpia (Angelina Jolie), l’amore per l’amico Efestione( il convincente Jared Leto), per poi narrarci la progressiva ascesa militare.

La suggestiva giustapposizione e mescolanza delle scene (Jan Roelfs), la bellezza dei costumi(Jenny Beavan) pittorescamente esotici, la prodigiosa ricostruzione computerizzata di Babilonia, che ridona bellezza alla complessità della leggendaria città persiana, nota per gli immensi palazzi e i famosi giardini pensili, le due mirabili scene di battaglia, si scontrano con un film discutibile, costellato da molti momenti poco convincenti e caratterizzati da una struttura generale piuttosto debole, che è incapace di coinvolgere e appassionare lo spettatore. Reduce da un inaspettato insuccesso oltre oceano, attaccato dalla destra cristiana integralista per la visione omossessuale, e dai liberali per l’eccessiva celebrazione della politica estera di G.W. Bush, il film di Oliver Stone, non funziona per motivazioni squisitamente cinematografiche. La verbosità e la teatralità dei dialoghi, estesa anche ai saperi filosofici e mitici se da un lato conferisce una certa “anima”, dall’altro snatura le implicazioni umane e concrete del film rischiando di uccidere a tratti il ritmo del film.

La difficoltà della pellicola di prendere corpo trova conferma nella didascalica concentrazione sui tre snodi drammaturgici su cui Stone appare soffermarsi- l’ambiguo e morboso rapporto con la madre, la conflittualità verso il padre Filippo e l’indissolubile legame con Efistione- che, tuttavia, non rinvengono la giusta e dovuta analisi interiore risultando semplicistici e poco convincenti. Soffermandosi più sull’introspezione che sull’azione, il film va smarrendo il fascino intrinseco del personaggio che in tredici anni conquista i quattro quinti del mondo conosciuto, e che ribaltò il concetto di conquista con la visione –sogno ecumenico di un mondo unico in cui ai popoli sottomessi venisse lasciata libertà di costumi e credo. Stone prova a spiegare l’integrazione con i popoli conquistati, ma al di la del tentativo, rimane poco: la donna “barbara “che sposerà (la bellissima Rosario Dawson), nonostante i pareri discordanti di chi gli sta vicino e altri piccoli dettagli( nella cena in cui Clito viene ucciso, Alessandro ed Efistione sono gli unici ad indossare pantaloni, tipico abbigliamento persiano, invece delle tuniche). Le musiche di Vangelis non sostengono e non esaltano la potenza della bella fotografia di Rodrigo Prieto. Rimangono le due strepitose scene di battaglia. Tra ritmi concitati, le scene violentissime di massa si snodano tra affanni e furori. Dalla polvere di Gangamela con la sconfitta del mitico Dario, alle foreste indiane contro gli “sconosciuti” elefanti.

E alcuni momenti di cinema di straordinaria bellezza- l’unione amorosa e appassionata con la moglie, domata quasi fosse una tigre e il ferimento d’Alessandro in India, con spettacolari rallentamenti e il rosso psichedelico della fotografia che colora il tutto come fosse un quadro - non fanno altro che aumentare il rimpianto per il risultato finale.

Le particelle elementari

Sat, 02 Jun 2007 11:44:45 GMT

Le Particelle Elementari

Il romanzo del francese Michel Houellebecq trasposto - e profondamente edulcorato - per lo schermo da Oskar Roehler, rappresenta nella riproduzione asessuata, quella possibilità di generare senza contatto, senza conflitti, quasi l’illusione di una vita idilliaca. Se dal punto di vista scientifico le particelle elementari rappresentano le molecole genetiche della biologia, quelle alla base della riproduzione genetica; dal punto di vista letterario possono dirsi le fasi della vita, dall’infanzia all’età matura;ed ancora dal punto di vista psicologico, le ansie represse che incatenate l’una sull’altra moltiplicano insuccessi e mandano in tilt la mente umana.

Il film di Roehler abbraccia le diverse tematiche senza smarrirsi, diventando un saggio sulla fatalità umana e sul bene soggettivo. La pellicola è piena di contrasti, emozioni, molteplici identità e violenze represse. I messaggi subliminali, i riferimenti all’infanzia, ai dolori di una vita di fallimenti, e al pessimismo cosciente, lucido e definibile nei silenzi, si accompagnano alla dilatazione dello spazio-tempo, all’ alterazione dei ritmi, all’ esplosioni musicali e alle riprese ravvicinate sui primi piani.

La storia è quella di due fratellastri di parte materna che vengono accuditi calorosamente da una grossa nonna materna e poi adottati dalla vita alla fatalità di ambienti contrapposti. Il primo , il pessimo Bruno, anche a causa del collegio, subisce violenze che si porterà dietro per tutta la vita creando regressioni patologiche e morbosità sessuali , perversioni, mentre l’altro, il buon Michael è serafico e silenzioso, è stato adottato da una famiglia per bene e diventa un genio matematico privo di una vita sessuale e dedito allo studio e alla ricerca . Un connubio esplosivo a vasi apparentemente non comunicanti: da una parte c’è un quarantenne timido e introverso, dall’altra il violento e l’aggressivo, l’uno pallido e occhialuto, l’altro bestiale e impulsivo. Ma né l’astinenza né la spasmodica ricerca di esperienze placa la fame d’amore. La vita, per entrambi, ha riservato brutti colpi. Michael ricerca la procreazione senza alcun contatto fisico tra i sessi, un contatto che lui stesso paventa anche solo nel banale gesto di abbracciare sua madre, Bruno si butta a capofitto in torbide esperienze sessuali per sentirsi un po' più felice. Ma la felicità, quella vera, non esiste. Le vie per raggiungerla, chiuse. L’occidente abitato dai Michael, dai Bruno, dalle altre figurine stressate e frustrate che i due incontrano lungo il loro cammino, propagano un senso di vuoto che non può lasciare indifferenti. Persino la sterzata finale verso il tragico, apparentemente così poco sostenuta da una costruzione drammaturgia incompleta, immatura, acquista valore nella rappresentazione di un’assenza imbarazzante e dolorosa. Oskar Roehler, figura mai pienamente sbocciata e al tempo stesso apprezzabile per le note di eccentricità presenti nei suoi trascorsi cinematografici (Hanna Flanders, Agnes und Seine Brüder), tende da sempre ad allargare all’affresco generazionale, con risultati alterni. Un buon sostegno gli è stato offerto ,in questo caso, dagli attori, con Franka Potente, Christian Ulmen, Martina Gedeck e soprattutto Moritz Bleibtreu, meritatamente premiato a Berlino 2006, piuttosto convincenti nei rispettivi ruoli.

Lady Vendetta

Sat, 02 Jun 2007 11:36:19 GMT

Lady Vendetta

Giunge anche a Messina il terzo e atteso episodio della trilogia della vendetta di Park Chan-wook. Geum-ja è una ragazza che ha trascorso in prigione tredici anni della propria vita per avere procurato la morte di un bambino di sei anni. Accusata ingiustamente, la protagonista, scontata la pena, si vuole vendicare con il vero autore del misfatto.
Strutturato con repentini flashback che ricostruiscono il passato delle compagne di carcere, e formalmente rigoroso nella scelta delle inquadrature, Lady Vendetta è incisivo fin dai titoli di testa (un bianco accecante fa da "carta" su cui vengono disegnate rose rosse) e cresce in un climax ascendente e drammatico. Ironia, dramma a tinte forti e violenza si fondono fino ad apparire stridenti a noi occidentali. Ma la violenza di Park Chan-wook non è mai gratuita e qui si mette al servizio dell'espiazione. Geum-ja (Lee Young-ae) è una sorta di angelo che si è perso e che deve ritrovare la retta via. E solamente la consapevolezza di assurgere verso la pace interiore potrebbe riaccendere la luce e restituire il candore, ora coperto da una coltre di dolore. Le inquadrature e i movimenti di macchina sono di una funzionalità visiva eccellente, capaci di assorbire le immagini in uno spazio geometricamente calcolatissimo fino al minimo millimetro, producendo quadri esteticamente senza sbavature, contemporaneamente essenziali e creativi, personali/personalizzati nonostante possa in qualche modo rimandare al nuovo noir di Hong Kong.

Il film di Park è un'opera sulla trasformazione etica di una persona, un'indagine introspettiva che rimanda direttamente alla spietatezza di un Sam Peckinpah: è una trasformazione a gradi, narrata episodio per episodio, una metamorfosi fuori campo della propria moralità ed etica interna. E questa metamorfosi è studiata dal regista in maniera intensissima, in quanto Park riesce a combinare perfettamente la violenza visiva/corporale/fisica con quella ben più drammatica, interna e spirituale, il tutto filtrato attraverso un occhio quasi ironico, che conosce la capacità di rimanere comunque onnisciente rispetto l'opera.

Certi Bambini

Sat, 02 Jun 2007 11:29:26 GMT

Certi bambini

Comincia col metaforico gioco, perverso e spietato, dell’attraversamento di un’autostrada a piedi senza voltarsi indietro. Nella lotta tra paura e l’orgoglio, i volti e gli occhi di bambini, tra storie di scippi, fumo, sfruttamento sessuale, scivolano incuranti del dopo, chiusi tra il disagio familiare e una società priva di sblocchi. Bruciano tappe, si danno arie da grandi per apparire duri e raccontano di aver fatto cose che non hanno fatto per trovare rispetto; ma sono solo dei bambini, teneri e ingenui, che amano stare con i nonni, uguali a tutti gli altri coetanei, che come tali vogliono anche giocare, e giocano con quello che trovano, chi con un pallone per la strada, chi con una pistola.

I fratelli Frazzi portano sul grande schermo il best-seller di Diego De Silva, finalista al premio Campiello nel 2001. Il film abbandona la sequenzialità cronologica, che aveva caratterizzato il libro, scegliendo una narrazione sincopata, basata sul flash-back a ruota libera nella coraggiosa e corale sceneggiatura d’Andrea e Antonio Frazzi, Marcello Fois, Ferdinando Vicentini Orgnani e Diego De Silva, che ricorda molto alcuni esempi di cinema recente, quali “Memento”, “21 grammi - Il peso dell'anima”, ”City of god”, con l’esasperazione e la continua sovrapposizione dei piani temporali, che spesso s’intersecano e si mescolano, permettendo una ricostruzione completa della vicenda solo alla fine.

Rosario (uno straordinario Gianluca Di Gennaro)vive in una casa popolare con la nonna Liliana che accudisce perché vecchia e malata. Le giornate scorrono con gli altri bambini in strada. Il territorio nel quale compiono le loro scorrerie, come una vera banda di piccoli criminali, spazia fra una sala giochi, il Las Vegas, e un Burger. I bambini vivono il loro quotidiano scimmiottando gli adulti e imitandone gli aspetti peggiori, nel sottofondo di una città scura e incerta, dove camorra e malavita sono padroni.

La vicenda parte a giochi conclusi, adottando il punto di vista del piccolo protagonista, e seguendone il “viaggio” interiore e fisico verso una destinazione ignota.

In una giornata come le altre Rosario esce di casa in completo da calcio, con una borsa in mano, per dirigersi verso la metropolitana. Nel suo percorso ricorda gli ultimi periodi del suo recente passato: gli amici, l’ambiente, la sua vita divisa fra i piccoli balordi e alcuni volontari di un centro d'accoglienza per famiglie in difficoltà.

La sua ammirazione è rivolta verso due giovani: Damiano, il cattivo maestro, un bullo delinquente, e Santino(Arturo Paglia) un volontario del centro. Il bambino si sdoppia fra le due frequentazioni subendo alternativamente l'influenza dell'una o dell'altra. Nel centro d'accoglienza conosce Caterina, una ragazza più grande, della quale s’ innamora. La sua vita sembra cambiare in meglio, ma i suoi sogni sono destinati a tramontare, quando Caterina, rimasta incinta, muore accidentalmente. Davanti a nostri occhi come davanti a quelli di Rosario si muovono i ricordi, tra i caldi colori dell’amore, il freddo verde dei tavoli da biliardo, i disabitati e grigi stabili di periferia. La metropolitana che trascina il giovane diventa un ambiente glaciale, privo d’ogni contatto, a tratti amorfo. La fotografia di Paolo Carnera si fa abile interprete di un mondo, come quello dei bambini, che amplifica l’emozioni. Gli occhi diventano protagonisti indifesi di una situazione contingente, che guida come marionette verso un destino buio come il tunnel del metrò. Più che rifarsi al neorealismo di De Sica e del Rossellini di "Germania, anno zero", la pellicola guarda a Castellani, Capuano, Piscicelli e in particolare a "Pater Familias" di Antonio Patierno, denunciando un degrado sociale che abbandona gli indifesi alla corruzione più bieca. Il linguaggio cinematografico è alto, ogni singola inquadratura ricerca potenza espressiva, il montaggio pulsante viaggia al ritmo della musica degli Almamegretta. Momenti risolti in chiave intimista e pseudo-teatrale si alternano ad altri più epici e violenti, attraverso un percorso che conduce lo spettatore lungo tutto l’arco della narrazione verso una sorte inevitabile. Il ritmo del film si adegua, di volta in volta alle stasi e alle improvvise impennate. Nella confusione della morale distorta dei quartieri poveri e rissosi, sentimenti e luce sfumano per farsi lividi. La retorica sembra, poco alla volta, lasciare il posto ad una triste tenerezza, come davanti ai dolori inevitabili, perché i “grandi”, i luoghi, le istituzioni e anche l'amore per una “femmena 'ncazzosa”, vengono risucchiati violentemente nella miseria e nella morte. La strada a senso unico e' gia' stata imboccata, lenta ma inevitabile continua il suo corso. Il nastro trasportatore del metrò sospinge senza dare alternativa, la pistola viene estratta e tutto continua come prima.

Ubriaco D'amore

Sat, 02 Jun 2007 10:57:25 GMT

Ubriaco D'amore

Idee, assurdità e talento visivo. E’ l'alba di un giorno di lavoro, Barry telefona agli uffici marketing di alcune aziende per assicurarsi del loro errore su una promozione che gli potrebbe permettere di guadagnare miglia gratis in viaggi aerei. Poi esce dall'ufficio con una tazza di caffè in mano; sotto i suoi occhi una macchina che piroetta in aria quattro, cinque volte fino a disintegrarsi al suolo, tra il suo stupore immobile, un furgoncino gli si arresta davanti e deposita in strada un armonium (un specie di pianoforte ad aria). L'uomo rientra in ufficio come se nulla fosse accaduto…

Non solo, Anderson va oltre, riuscendo a stupire, confondere, e ammaliare, ed in quella trama che apparentemente è semplice come una finta commedia, a partire dallo stile cromatico che si rifà al technicolor anni 40, a superare la nostalgia e il rischio di essere mix sterile di generi , trasformandola in analisi, al limite dello sperimentale, cruda e tagliente delle persone e dei sentimenti. Barry ( un Adam Sandler sorprendentemente al di sopra delle attese) è un uomo percorso da un duro conflitto tra l’autocontrollo imposto dalle regole della vita, e la necessità di esternare il proprio disagio. Incapace di relazionarsi, passivo di fronte allo scorrere della vita, con sette sorelle che lo martirizzano, un lavoro strano (fabbrica di stura-lavandini) , Barry sfocia in improvvisi scatti d’ira distruttiva o in crisi di pianto che lo porteranno al tentativo-soluzione di chiamare un numero sexy per colmare il suo bisogno di aiuto non facendo altro che peggiorare la situazione…

Ma qualcosa lungo il percorso del film cambia, l’improvvisa e prorompente entrata di Lena (Emily Watson), lo travolgerà nel cambiamento dell’amore.

Niente sarà più come prima e quello che era un meccanico succedersi di eventi, diventa controllo assoluto; il telefono smette di squillare, le sorelle d’assillare, e i colori prendono vita. Il fascio di luce che come un flash accompagnava Barry, ora si scompone in un arcobaleno e i due personaggi, goffi e impacciati nel quotidiano, sembrano vivere in una dimensione parallela e onirica ; le realtà fredde e distaccate della loro esistenza, l’ufficio ,il supermercato l’appartamento- labirinto di Lena, prendono vita in una nuova . Ubriaco d’amore procede a salti, fra brusche impennate e repentine distensioni, seguendo le forsennate percussioni dissonanti di Jon Brion, quasi aggredendo lo spettatore, creando l’attesa di qualcosa, per poi dissolverla tra la semplicità del soggetto, che solo la geniale e visionaria bravura di Anderson, consacrato da pubblico e critica per “Boogie Nights” e “Magnolia”, fanno sembrare all’altezza. Immerso in una fotografia (Robert Elswit) che fa delle sovraesposizioni nelle scene di giorno la sua cifra stilistica , gelida come le inquadrature del supermercato, il lungo piano sequenza della telefonata erotica, il palazzone con i corridoi uguali dove vive Lena, calda come la surreale atmosfera del primo incontro o del viaggio alle Hawaii, la luce prende vita e diventa anima della pellicola e filo conduttore . E la storia di due persone atipiche diventa la nostra, che sballottati e portati fino all’ubriacatura dalle immagini e dalle trovate seguiamo il percorso di Barry come sonnambuli coscienziosi fino ai titoli di coda, finendo inconsapevolmente per innamorarci del film.

G. SANTAGATA

Una lunga domenica di passione

Sat, 02 Jun 2007 10:53:01 GMT

Una lunga domenica di passione

Tratto dall’omonimo romanzo di Sebastian Japrisot, l’ultimo film di Jean Pierre Jeunet, già apprezzato autore de “Il favoloso mondo di Ameliè”, è una lunga epopea romantica e favolosa. Il film che in Francia ha ottenuto un gran successo di pubblico e critica, conquistando ben dodici nomination ai cesar, è un incanto visivo, con luci e colori che richiamano la carta ingiallita delle vecchie cartoline d’epoca e con una meticolosa ricostruzione, non solo delle atmosfere quotidiane, ma anche dei momenti più duri e violenti della guerra. La sognante e soggettivizzata atmosfera che caratterizzava Ameliè rimane intatta nel personaggio di Mathilde. Nel procedimento consueto di raccontare la piccola storia nella grande, tuttavia, il filo conduttore della sceneggiatura va perdendo il controllo del progetto, con il risultato di rendere la vicenda a tratti difficile da seguire, a tratti inutilmente contorta e sbilanciata tra gli eccessi creativi di alcune scene e il crudo realismo di altre.

Stordisce l’incipit duro e secco che trascina il pubblico nella prima guerra mondiale a Verdun. Albe livide di pioggia s’impongono nel film con lacerante persistenza, spaventosi squarci del passato tra le snervanti attese nel freddo e nel fango. Nei massacri di trincea, cinque storie di uomini francesi sono legate da un comune destino. Sconvolto da un’esplosione che ha dilaniato un compagno, Manech (Gaspard Ulliel) si è inflitto una ferita nella speranza di tornare a casa. Invece, insieme con gli altri quattro soldati, colpevoli dello stesso reato, viene fatto uscire dalla trincea e abbandonato al fuoco nemico.

Sono passati due anni, la guerra è finita. Dove pochi anni prima c’erano solo campi di battaglia, la natura ha ripreso il sopravvento. In un paesino della Francia, Mathilde, una ragazza di 19 anni che zoppica a causa della poliomielite, è convinta che lui sia ancora vivo nonostante le informazioni avute da un sargente che le confida di aver assistito alla fucilazione del soldato e degli altri quattro commilitoni presso Bingo Crépuscule. Tra incertezze e false speranze Mathilde inizia una disperata ricerca. Da questo punto di partenza, Jeunet frammenta il racconto in una serie di micro-storie parallele che si collegano a personaggi secondari, costruendo di sequenza in sequenza un mondo coerente che si nutre di se stesso, a partire da un collasso. Iniziata come una semplice storia d’amore la trama si complica diventando un giallo sulla sorte dei cinque uomini, svelato candidamente attraverso i sogni, le ansie e le delusioni della giovane protagonista. Se da una parte lo stile del regista si conferma affascinante, con le sue tipiche ricostruzioni, i suoi flashback, il modo collaudato di presentare personaggi stravaganti; dall’altro rischia di impreziosire il film di particolari inutili che fanno svanire l’incanto del sentimento amoroso che lega i due giovani. La cruda realtà della guerra spezza il sogno e ci riporta con forza ad un mondo reale che non è più quello favoloso di Amélie. Imprigionato nel contrasto troppo stridente fra la violenza grottesca della trincea, contraddistinta dal gusto sadico del dettaglio, delle mutilazioni, dei macelli e del sangue, il lato impalpabile e romantico delle passioni, rimane accennato e privo della forza propulsiva che avrebbe necessitato la storia. Audrey Tatou nel ruolo di Mathilde non tradisce le attese. Le scene ricche di dettagli, sono fotografate in modo splendido da Bruno Delbonnel e ricostruite ed arredate in modo maniacale ed impeccabile. L’ accompagnamento musicale di Angelo Badalamenti risulta convenzionale e poco ispirato, tendendo ad abbandonare il crescendo del film. Nonostante i difetti, tuttavia, la pellicola, mantiene un'atmosfera di rara poeticità,contraddistinta da scene di profonda bellezza, piccoli gioielli, frammenti che rimangono, scorrendo fino all’epilogo in un finale che, seppur risulti scontato, rapisce la fantasia, lasciando al pensiero la domanda del dopo.

Giuseppe Santagata

Million dollar baby

Sat, 02 Jun 2007 10:41:57 GMT

Million dollar baby

Nella boxe tutto è al contrario, come nella vita.

Per vincere bisogna a volte perdere, per gioire a volte soffrire, per continuare a vivere bisogna a volte morire.

Ci sono registi che sono bravi a dirigere gli attori, ci sono quelli che hanno una grande tecnica; Eastwood ha sviluppato uno stile basato sulla sottrazione e la musicalità, sull’indispensabilità e la semplicità della ripresa. La fotografia, le mezze frasi, gli scorci ,la complessità dei rimandi, la capacità di non risolvere le scene sulla nota più alta ma su quella più scura, il peso di quello che si sente e non si vede, tuttavia non sono sufficienti a spiegare la bellezza di Million Dollar Baby.

La grandezza del film sta nella complessità di rivolgere lo sguardo alle contraddizioni della vita, sviscerate attraverso l'essenzialità delle vicende, dei dialoghi, delle scene, utilizzando la boxe come grande metafora.

I temi del riscatto dalla miseria quotidiana attraverso la fatica e l'impegno, l’assenza del vuoto lasciato dalla mancanza d’amore, la ricerca di un senso, prendono forma nelle vite di tre personaggi tormentati, intensi, carichi di dubbi e sogni destinati a realizzarsi solo attraverso dolore e sofferenza.

Frankie(Clint Eastwood), vecchio allenatore di pugili,con una vita alle spalle, fatta di tante occasioni perdute e tormentata da un rapporto ormai chiuso con la figlia, Maggie(Hilary Swank) ragazza dimenticata, annientata da una realtà che non riserva alcun futuro ed Eddie (Morgan Freeman), ex-pugile bistrattato e sempre fedele a Frank, trovano nel loro casuale incontro, una possibilità, un’alternativa ad un esistenza schiacciata. Nell’unione di tre vite, tre anime tornano a palpitare in visi che sconoscevano ormai la speranza.

Sfida dopo sfida, Maggie mette al tappeto ogni rivale, dimostrando a tutti, e a se stessa, che nessun sogno è troppo ardito per essere irrealizzabile. Ma sul ring, come nella vita, si può giocare sporco o pulito. Si può accettare il verdetto,o andare contro le regole, piegarsi agli eventi o non arrendersi mai. Quando Maggie finisce al tappeto, con lei cade la dignità di vita, la ragione che l’aveva spinta a capovolgere una situazione che sembrava immutabile.

I desideri si infrangono impotenti di fronte alle ferree leggi di un sistema che non lascia scampo. Scompare il grande sogno, l’autonomia del respiro, la mobilità degli arti, una gamba,la voglia stessa di andare avanti.

Arrivano i parenti serpenti, agghindati con le t-shirt fregiate da innocenti stampe di cartoni animati, con l’unico obiettivo di mirare ai soldi della giovane campionessa.

Sullo sfondo, silenzioso, rimane Frankie, ad assisterla con la lama della colpa conficcata nel petto. Esanime tra il tormento degli errori che continuano a perseguitarlo e dai quali non riesce a liberarsi. Fantasmi che vengono dal passato, a cui si sommano quelli del presente: l’ardua scelta alla quale è stato chiamato; vita e morte appese ad una spina.

Giuseppe Santagata

The Village

Sat, 02 Jun 2007 10:30:57 GMT

The Village

In un cinema che tende più a distrarre che a riflettere i film di Shyamalan rischiano di passare inosservati. Attraverso una metafora che fa appello alle atmosfere, ai brividi del cuore e alla suspense, piuttosto che agli effetti speciali, il regista mette in scena un mondo accerchiato dal terrore di ciò che è oltre; incarnato in un confine (i pali di legno e le torce) che, non presenta alcun tipo di recinzione, il film evidenzia la natura prevalentemente mentale dei limiti umani di fronte al trascendente. Ma The village è anche la moderna società occidentale terrorizzata e controllata dal potere attraverso il terrore. Con nemici, creati ad arte e resi mostruosi per tenere sotto controllo i movimenti e gli istinti liberali della popolazione.

L'esperimento condotto da Edward Walker, ex docente universitario (W. Hurt), e dal consiglio degli anziani, cerca utopisticamente, attraverso la creazione di un mondo artificiale, di preservare l’innocenza originaria dei primi americani, spostando indietro di un secolo la vita di un intero villaggio. Il quieto vivere non viene turbato, purché si rispetti "il divieto". Nessuno deve avventurarsi nel bosco, nessuno deve portare il colore delle creature (il rosso), nessuno deve provocarle e meglio sarebbe se nessuno ne parlasse. La sceneggiatura, oltre alle frasi ad effetto come “Nascondi l’infausto colore”, si concentra soprattutto sui dialoghi tra i due protagonisti, Joaquin Phoenix e Bryce Dallas Howard. La suadente voce del violino di Hilary Hahn accarezza, per tutta la durata del film, la trama e insieme alla maestria di Shyamalan ci spinge oltre i confini della paura perseguendo l’innocenza della menzogna su cui si fonda la sopravvivenza di un intero mondo che fugge dagli altri ma che non può scappare da se stesso. Con un’opera complessa e politica Shyamalan, attraverso il terrore dell’ignoto, la paura istintiva e narcotizzante dell’oscurità (interiore), la razionale xenofobia che cancella i desideri intimi, propone una lucida ed illuminata riflessione sugli incubi del presente, lanciando un messaggio la cui natura politica è inevitabilmente chiara allo spettatore: il controllo della società tramite l'esercizio della paura genera i mostri della ragione. Il regista conosce e smonta i tormentati meccanismi della follia, attraverso la forza devastante dell’amore che frantuma ostacoli e barriere. La sua capacità di coniugare suggestioni differenti, dislocate su una ragnatela di sensazioni e sentimenti che hanno radici profonde e arcaiche come la paura del buio, il terrore, l’amore, è unica. Impreziosito da un cast d’attori credibile, che agisce sulla scena come parte di un ensemble teatrale, The Village è curato minuziosamente in ogni dettaglio senza lasciare spazio a dubbi. Il risultato è un film d’attesa e di scoperta, attraverso “il buio del bosco”, come se fossimo guidati dalla cecità della protagonista e succubi del labirinto delle sue stesse paure, ma è anche un film sulla forza dell’amore, sull’unico elemento che si può ergere vittorioso sul male del vivere, sull’unica vera speranza di fondare un nuovo mondo.

Giuseppe Santagata