Nel mondo di Essemre: articoli teatro

La fanciulla del west

Sat, 02 Jun 2007 12:05:22 GMT

LA FANCIULLA DEL WEST

«Ciò vuol dire, ragazzi, che non v'è,

al mondo, peccatore cui non s'apra una via di redenzione...

Sappia ognuno di voi chiudere in se

questa suprema verità d'amore»

(Minnie,I Atto)

Un numeroso pubblico ha assistito alla prima de”La fanciulla del West” ,opera in tre atti di Guelfo Civinini e Carlo Zangarini dal dramma di David Belasco ,con le musiche di Giacomo Puccini .

L’opera si colloca nel momento di massima crisi di Giacomo Puccini, dopo l'insuccesso e il seguente recupero di Madama Butterfly (1904), periodo in cui aveva preso in esame molti possibili soggetti, passando da Gorkij a D'Annunzio, da Daudet a Tolstoj, fino alla Divina commedia.

Gli elementi di maggiore interesse non stanno tanto nell'articolazione della vicenda, che ha al centro un personaggio femminile tipicamente legato al lessico del musicista lucchese, ma nella strepitosa elaborazione musicale, che tiene debitamente conto delle musiche che il secolo nuovo ha portato con sé, da Strauss a Debussy.

Se infatti alcuni, come Gianandrea Gavazzeni, hanno affermato che "protagonista vera è l'orchestra" , è senz'altro questo elemento in primo piano mentre la scrittura a volte sembra non farsi largo. Il Puccini che con Madama Butterfly aveva offerto uno dei più straordinari saggi di ‘psicoanalisi in musica’, in questa Fanciulla del West sembra aver messo da parte le sue qualità di introspezione.

I sentimenti e le reazioni dei tre protagonisti appaiono tanto elementari e immediati . La semplicità di questa tipologia umana e la drammaturgia elementare dell’opera si trovano però in una certa contraddizione con l’inventiva musicale che, rispetto al passato, non si distende più in vere e proprie romanze, ma predilige il dialogo e l’assolo in stile arioso, che non può essere più estrapolato come un pezzo chiuso.

Puccini, facendo tesoro della conoscenza della musica di Debussy, ma anche dei russi e di Strauss, compone infatti una delle sue partiture più raffinate sul piano armonico, con impiego di scale esatonali, forti dissonanze, passaggi cromatici e, per la varietà di ritmi e della ricerca timbrica.

Inoltre, i suoni e i rumori che vivono nel palcoscenico ritornano oltre il limite visibile dello spettatore e provengono da uno spazio, usato solitamente come transito. L’interno diventa vero e proprio evento che anticipa, riecheggia ed evoca lo svolgersi drammatico della vicenda. La regia di Boris Stetka asciutta e statica lascia alla musica più che ai gesti la funzione veicolare di transfert emotivo ,anche se a tratti rischia di apparire ripetitiva; buona la direzione di Maurizio Arena che, tuttavia, risente della scarsa acustica del teatro. Convincente la scelta scenica di Francesca Cannavo, lo spazio fisico finisce per diventare spazio mentale, dove si esprime la tensione di una vita vissuta in maniera precaria e violenta. Brava e piena di energia la giovane Irene Carboncini nel personaggio di Minnie.

In mezzo alla semplice umanità dei cowboys, l’amore torna a risuonare come violenza imprevista, come evento crudele e lacerante, incarnando in modo nevrotico il principio della separazione freudiana dal grembo materno. Questi innamorati rompono un preesistente equilibrio di affetti (tra Minnie e i minatori) e la conclusione, nonostante il lieto fine di facciata,può essere letta come un doloroso addio.

G.S.

Oltre la luce

Sat, 02 Jun 2007 11:50:47 GMT

Oltre la luce

La compagnia “CO2 – Centro Teatrale Orione”, nata come sezione-teatro dell’Associazione Culturale “Cineforum Don Orione” di Messina, ha presentato Martedì 17 Gennaio nei locali del Centro Servizi “Guernica” lo spettacolo “La città oltre la luce”. Il gruppo- coordinato dal giovane regista Salvatore Sofia, originario di Novara di Sicilia ma formatosi professionalmente in Toscana presso alcuni grandi maestri del teatro contemporaneo (tra tutti Eugenio Barba)- impegnato per oltre 3 mesi in esercizi di mobilità fisica, esplorazione del movimento nello spazio, attenzione in scena e costruzione di partiture fisiche, si è confrontato per la prima volta con il pubblico, dando saggio del lavoro effettuato e proponendo uno spettacolo coinvolgente e ricco di momenti di grande tensione emotiva. Il testo, liberatamene ispirato all’”Antologia di Spoon River” di Edgar Lee Masters” nel riadattamento di Francesco Torre, ha affrontato il problematico rapporto tra la città e i suoi abitanti.
La messa in scena, che ha visto come interpreti Ninni Decembrino, Simona Lucchesi, Maria Giovanna Marino, Salvatore Sofia e Francesco Torre, si presenta come una forte critica della realtà odierna al fine di riscoprire una presa di coscienza comune ed un forte senso di responsabilità. Oltre il telo che proietta la sua ombra appare il personaggio di Lois Spears.
La donna cieca, attraverso delle lenti speciali fornite da un misterioso ottico, vede quello che succede nella sua città, in parallelo con il pubblico che dal buio viene portato, da alcune torce in movimento, alla scoperta di piccoli aspetti che mostrano pezzi di vita. Molti personaggi irrompono. Piegati su interessi personali e spesso indifferenti all’ottenimento di un bene collettivo, rimpiangono la loro vita. Il loro rapporto con la città caratterizzato da pregiudizi sociali, arrivismo, ipocrisia, indifferenza, non dà loro opportunità di vedere. Si sentono traditi, ” vidi la tenuta di Christian Dallman, di più di tremila acri, ingoiare il campicello di Felix Schmidt, come un grande persico inghiotte un pesciolino“, giudicati “Non ero amato da quelli della città, e tutto perché non avevo peli sulla lingua, e affrontavo chi m’insultava”, e rifiutati, “ A tutta la città pareva, non c’è dubbio, che io andassi qua e là, senza meta”.
La città sembra qualcosa di diverso da loro. Non nutrono alcuna speranza di cambiamento, sentendosi fuori di essa e la rinnegano disprezzandola.
Al di là delle ingannevoli sembianze Lois, tuttavia, prende coscienza di qualcosa che va oltre. Attraverso un sistema di ricezione sensoriale diverso “come avessi gli occhi sulla punta delle dita“, che ovviamente implica anche un punto di vista differente, Lois ha la capacità di superare la tangibilità, e di “vedere” quello che altri non riescono a cogliere.
Oltre a ciò che appare, oltre le convenzioni sociali, vi è la città nei suoi elementi minimi ed autentici.
Nonostante una quasi totale assenza scenografica renda più difficile l’immedesimazione, lo spettacolo convince grazie ai forti contenuti ed ad una buona interpretazione generale.
In una sorta di trasfert parallelo gli occhi di Lois vedono oltre la vista come quelli del pubblico vanno oltre la luce.
Un’interpretazione della città – di qualsiasi città e a maggior ragione della nostra realtà –si fa strada. Fondamentale, in questo senso, è il personaggio di Mabel Osborne: ” Tutti sanno che stai morendo di sete, ma non ti danno l’acqua!Passano oltre e dicono<>” il cui riferimento è assolutamente attuale e pertinente al caso specifico di Messina: città in cui è forte l’abitudine di lamentarsi nel dire ciò che non funziona o ciò che ci vorrebbe ma in cui nessuno, o pochi, s’impegnano in prima persona.
La presa di coscienza di Lois , allora, diventa un modello di comportamento, un invito diretto al pubblico per una responsabilizzazione sul piano sociale al fine di recuperare l’ottimismo della ragione e l’istintivo e sopito senso d’appartenenza.
”La città oltre la luce” sarà replicato nei prossimi mesi all’interno di una rassegna denominata Enfants Terribles, prevista dal Cineforum Orione per l’anno 2006, che ospiterà, grazie al patrocinio della Regione Siciliana, alcune tra le più promettenti compagnie teatrali nate in ambito universitario d’Italia, unite dalla volontà di sperimentare il linguaggio scenico in tutte le sue forme, con lo scopo di ricercare una nuova identità teatrale.

Perelà

Sat, 02 Jun 2007 11:25:31 GMT

PERELA’

«Questo è quanto posseggo e ch'io vi posso lasciare, uomini, esse mi legarono a voi. Così sarete persuasi di quello che valevo veramente: valevo questo paio di scarpe che vi lascio. Voleste tante cose, ch'io vi dettassi un Codice, eccolo, questo solo può essere il Codice di colui che vi piacque chiamare Perelà».

Continua, dopo la straordinaria performance della compagnia Teatro dei Venti di Modena, la rassegna teatrale “Enfants Terribles”. Giorno 17 Maggio alle ore 21, presso i locali della Sala Laudano (stranamente riscaldati nonostante la temperatura già calda) è andato in scena il terzo e penultimo appuntamento del ciclo organizzato dal Cineforum “Don Orione“ e dal Comune - Assessorato alla Cultura, Sport e Tempo Libero, con il patrocinio della Regione Siciliana e dell'ERSU di Messina.

La trasposizione del romanzo futurista di Aldo Palazzeschi "Il codice di Perelà" proposta dalla compagnia dei “Pazzi Volontari” di Roma per la regia di Federica Felice, si è distinta per una dichiarata ricerca di leggerezza verbale e strutturale e l'uso di un linguaggio deformante. Perelà è un omino di fumo nato dall'utero nero di un camino cullato dalla voce delle sue tre madri: Pena, Rete, Lama. Uscito dal camino all’età di trentatré anni, s’incammina per il mondo e giunge al regno di Torlindao, dove viene battezzato Perelà dalle iniziali dei tre nomi che continua a ripetere ossessivamente. Esaltato ed ammirato come un essere eccezionale, come se fosse purificato dal fuoco di qualsiasi interesse e di qualsiasi egoismo, viene presentato agli uomini più prestigiosi, alle dame e ad una regina cartomante. Tra un cerimoniere con problemi di vista, un ministro borioso, un cancelliere misogino, Perelà si imbatte in un aspirante suicida e nel principe Zarlino, il pazzo volontario. La sua leggerezza è considerata una dote unica, gli viene addirittura commissionato il nuovo codice del paese, ma, dopo che il servitore, Alloro, si dà fuoco per imitare la sua inconsistenza, le sorti di Perelà si capovolgono.

Tutto intorno all’omino di fumo si muove un mondo, mentre lui resta immutabile. I personaggi grotteschi e surreali che gli girano a torno come fossero una giostra dipingono la scena con i loro punti di vista ed una morale sempre diversa. Come un contenitore privo di contenuto, Perelà riceve la forma che gli uomini gli danno: in un primo momento rappresentando quello che ognuno vuole vedere, successivamente, quello che ognuno rifiuta di vedere..

Seppur dominato da una dichiarata ricerca di «leggerezza» verbale e strutturale (il procedere narrativo, infatti, è affidato a una successione di scene, o quadri dialogici, in cui i fatti sono presentati attraverso i molteplici punti di vista dei personaggi, che come affrescati vengono accennati per ritornare poi impalpabili) lo spettacolo non riesce a trovare l’ effetto comico e parodistico che sarebbe dovuto derivare soprattutto dal linguaggio.

I giochi fonici, le deformazioni lessicali e i registri diversi a seconda dei personaggi, ridotti a pure voci o disposti in un dialogo corale, perdono forza diventando pur essi fumo. Nonostante la bravura dei singoli attori e la sufficiente amalgama, la messa in scena soffre di stasi e sembra trovare solo a tratti un giusto equilibrio.

Conversazione In Sicilia

Sat, 02 Jun 2007 11:21:51 GMT

Conversazione in Sicilia

Affascina il fatto di trasporre teatralmente uno di quei libri che più profondamente hanno inciso sulla narrativa del nostro primo dopoguerra. Il testo di Vittorini, nell’anticipare il neo-realismo, presenta tutta una serie di problematiche umane costantemente immerse in un linguaggio allusivo, simbolico, intriso nel rapporto tra suono e segno, che fanno sì che sia sempre attuale nella contemplazione, non solo del passato, ma anche del presente. L’opera ha ricevuto svariate interpretazioni critiche, dall’analisi in chiave socio-politica( come manifesto dell'opposizione al fascismo, attraverso la rappresentazione allegorica di una condizione umana oppressa dai mali del mondo) a quella in chiave mitica (concentrandosi in particolar modo sulla caratterizzazione dell'ambiente e del linguaggio) e, ancora, a quella del viaggio-formazione( attraverso il percorso di maturazione di Silvestro).

L’adattamento di Luisa Fiorello si concentra sul viaggio-fisico-interiore del protagonista, visto come itinerario della conoscenza, tracciato sperimentale attraverso il quale rievocare l’infanzia, ma nello stesso tempo, trauma profondo esistenziale nella rappresentazione dell’urto col presente e nella verificazione della drammaticità del reale. La condizione d’atarassia del protagonista, l’apparente sonno della ragione di cui sembra vittima, è il punto di partenza dal quale si snoda l’incipit: «Io ero, quell’inverno, in preda ad astratti furori, non eroici, non vivi ma astratti, furori per il genere umano perduto. Da molto tempo questo, ed ero col capo chino………….

Silvestro(un convincente David Coco) nell’angoscioso e tormentato sforzo di reagire al sentimento cupo d’impotenza, sfrutta l’occasione offertagli da una lettera del padre, il quale lo informa di essersi allontanato dalla madre, per prendere il primo treno che parte per la Sicilia. Il suo viaggio, diventa un’illusione d’evasione nel passato attraverso la speranza di trovare una risposta autentica al vuoto della vita presente. Nelle sirene della terra d’origine,in cui non torna da quindici anni, il protagonista crede di sfuggire dalla disperazione, dal malessere e dall'eco dei massacri. Ma l’inganno della pace delle sperdute montagne e dei desolati fichi d’india dura poco. Anche in questi mitici luoghi dell'infanzia, la tristezza del presente riappare confusa, e si rende visibile attraverso l’incontro degli uomini e le loro esperienze legate indissolubilmente alla miseria.

Il testo e la regia curata da Walter Manfrè, tuttavia, vanno perdendo la magia delle descrizioni, dei sapori, degli odori, delle evocazioni del libro. E nel mutare dei paesaggi, dei luoghi, dei ricordi, degli umori, dei sentimenti, la Sicilia diventa un luogo qualsiasi, anonimo ed intangibile. Il viaggio di Silvestro va smarrendosi in un’analisi troppo intima, personale, che lascia il pubblico distante nell’assistere alla ricerca della progressiva rigenerazione del personaggio, imponendogli il viaggio identificativo, come un’ astratto e prestabilito cammino nella ricomposizione dei pezzi dell’io frantumato. Smorzato nei toni, è anche il muovere tra i ricordi ed il presente, due poli contrapposti, ma sovrapposti, quasi a creare una realtà più reale, come anche la capacità di calare l'infanzia nella realtà, elevandola di significati e trasferendola, pur nella sua linea reale, in una dimensione nuova. Le scenografie minimaliste di Roberto Lagana Manoli tuttavia, riescono ad evocare l’immaginazione, grazie anche al sapiente uso delle luci e delle ombre di Renzo di Chio.

Tutti i personaggi che si pongono davanti a Silvestro hanno la loro soluzione per riscattare le offese da cui l'umanità è oppressa. Il Gran Lombardo, la madre Concezione(una brava Caterina Vertova), che diventa quasi una guida spirituale, guidando il figlio alla riscoperta della figura del nonno, e accompagnandolo a vedere il paese, nel giro delle iniezioni che lei fa per guadagnarsi da vivere, mostrando la crudezza della miseria e della povertà, della malattia. Fino a giungere, poi, all’incontro con Calogero, l'arrotino del paese. E’ proprio questi a condurlo nella bottega del sellaio Ezechiele, là dove palpita il «cuore puro della Sicilia non ancora contaminato dalle offese del mondo». Ad Ezechiele e Calogero si aggiunge anche la figura di Porfirio, un mercante di panni, che predica la necessità dell’“acqua viva”. La connotazione simbolica è, dunque, molto chiara: attraverso Calogero l'autore presenta l'ideologia marxista e l'istanza rivoluzionaria, con Ezechiele il pensiero contenente la “filosofia” del “mondo offeso”, ovvero la cultura idealistica dell’uomo schiacciato dalla vita. Infine Porfirio, che rappresenta la cultura cattolica e la sua rassegnazione. Ma nessuna di esse verrà realmente accolta. Tutti accoglieranno il rimedio proposto da Colombo, il vino. Illusione nella quale cullarsi, finendo col dimenticare la condizione di miseria,anche se solo temporaneamente.

Giuseppe Santagata

Donne e Resistenza

Sat, 02 Jun 2007 10:36:21 GMT

DONNE E RESISTENZA. CREATURE D’AZIONE

“Donne, in prima fila e nelle celle più fredde, spesso torturate e violentate per un nome o per dispetto, per la storia protagoniste di sogni e grida, silenziose gemme, il lamento del vento vi chiede ancora aiuto”.

Nell’ambito della rassegna teatrale “Enfants Terribles“, organizzata dal Cineforum “Don Orione“ e dal Comune - Assessorato alla Cultura, Sport e Tempo Libero, con il patrocinio della Regione Siciliana e dell'ERSU di Messina, è stato presentato, nei giorni 14,15 e 16 Maggio, lo spettacolo” Donne e Resistenza. Creature d’azione ”del teatro dei Venti di Modena.

Una vecchia vestita di nero ci guida claudicante tra il buio con una lampada ad olio. Il pubblico ha paura di seguirla. Non siamo più abituati ad inizi così inconsueti ed originali. Saliamo, perplessi, i gradini della Sala Laudano e ci ritroviamo su un palco buio. I nostri piedi avanzano silenziosi sulla sabbia fine che è sul terreno. La donna ci invita a sedere con gesti eloquenti. Degli abiti pendono dal soffitto legati a delle corde. Le panche ci aspettano.

La donna lentamente ci abbandona lasciandoci all’oscurità. La memoria si fa largo. Un cerino illumina la scena, gli abiti prendono vita e si rivelano persone. Incomincia il suono di un canto delicato, i movimenti armoniosi, i ritmi alternati. Capita raramente di uscire da uno spettacolo totalmente soddisfatti di quello a cui si assiste. Questo è uno dei pochi casi.

Il teatro sperimentale del gruppo Modenese vive nell’incontro con il pubblico. La rappresentazione non è mai uguale a se stessa, si rinnova in ogni replica, divenendo uno studio, un laboratorio che vede nell’incontro con la platea una tappa intermedia per uno sviluppo ulteriore di ricerca.

Due figure femminili dominano la scena. La drammaturgia di Azzurra D’Agostino si ispira liberamente a due partigiane realmente esistite. Una è Teresa Monari, donna di umili origini che durante la guerra svolse il ruolo ,pericoloso e importante, di guida nei boschi lungo la “linea gotica”. Al suo rientro dalla guerra, dovette faticare ad ottenere nuovamente i benefici della cittadinanza italiana. Morì povera e sola, senza alcun riconoscimento da parte del paese e delle persone per cui aveva lottato e rischiato la vita. L’altra donna è Irma Marchiani, capo di Brigata tra i partigiani dell’Appennino Modenese, col nome di battaglia di Anty, svolse missioni rilevanti, avendo ruolo centrale nella protezione e nell'organizzazione di un gruppo consistente di partigiani. Venne catturata e giustiziata. La sua memoria fu decorata con medaglia al valore militare.

Unite nel fine ma divise dalle vicende le due donne si incontrarono per due volte: di ritorno da una prigionia, in cui fecero finta per ragioni di sicurezza di non sapere nulla l'una dell'altra; e in carcere, quello stesso in cui Anty verrà fucilata, dove comunicarono da celle distinte unicamente attraverso il canto. I riferimenti storici di cui si nutre il testo, tuttavia, si rivelano un pretesto per trattare argomenti di ogni tempo: la persecuzione degli uomini liberi , la lotta per non estinguere i sogni, la resistenza all’immobilità. Nonostante questi incontri siano stati solo come l'ombra di un incontro, di una vicinanza, restano molto indicativi di quello che è stato il legame tra le persone in quel periodo della nostra storia. Dal racconto degli uomini e delle donne che l'hanno vissuto, emerge una domanda sull’essere umano; qualcosa di doloroso da ammettere e di impossibile da capire si fa strada: se c'è stata una pace, e una lotta per la pace, è stato perchè c'è stata una guerra. La guerra diventa allora punto di unione e di distacco, contrasto tra opposti sentimenti che escono e fuoriescono nei ricordi, il punto in cui l'uomo massimamente si allontana, ma anche quello in cui più si avvicina.

Il viaggio teatrale nella memoria prende il via attraverso le ultime ore che precedono la condanna a morte di Anty. Visioni, esseri immaginari e fatui si muovono nella cella, insetti, scarafaggi, cacche di topo e macchie di muffa sul muro diventano un appiglio, seppur flebile, una speranza di non morire invano, di liberare le idee imprigionate, torturate e offese dalla tirannia dei tempi e dalla morte dei sogni. Il vivere nella contraddizione non coinvolge l’uomo solamente nella guerra, ma perdura e lo accompagna in tutta la sua esistenza, camuffandosi e nascondendosi in figure e modi diversi. Le forme della guerra, soprattutto nell'apparenza della pace, appaiono mutevoli e difficili oramai da identificare; molti sono i rischi che si corrono accettandole passivamente. La “nuova” resistenza esiste ancora. Resistere significa restare ancorati e non cedere all’opposta forza altrui. Significa esistere, credere di essere, lottare per vivere, esprimere il proprio io. La regia di Stefano Tè è sapiente, composta ed efficace. Niente appare superfluo. Come fosse un mosaico, il tutto si compone prendendo forma e contenuto. Le luci, i movimenti, la musica e il canto sembrano fondersi, separarsi ed ancora unirsi a seconda dei momenti dell’azione. Gli oggetti si animano: gli abiti appesi si rivelano persone, la valigia diventa uno strumento da percuotere, il cerino fonte di vita. Superlativa la prova delle due protagoniste femminili Alessandra Amerio e Francesca Figini. In un’atmosfera al limite del paradosso, cinica e fredda, si consumano i ruoli e le immagini, le creature e le azioni frutto di un amore viscerale per l’immobilità. I suoni accompagnano il tentativo delle donne di creazione di un mondo parallelo, che vada e esista al di fuori della cella, i lunghi bui parlano alle menti e si fanno luce nelle esperienze personali del pubblico, che diventa spettatore della difesa mentale delle donne, i canti riaccendono le speranze, i ricordi del passato, gli eventi vissuti e sudati. Le emozioni salgono in un climax, quasi impercettibile, per culminare nel lungo e intenso canto finale . Torna di nuovo il buio silenzioso. Inaspettato e gelido. Lo sparo di una rivoltella. L’esecuzione si è consumata. La scena si ferma. La donna anziana riappare con la sua lampada. Il bastone precede i suoi lenti passi.

GIUSEPPE SANTAGATA